Esta es la tercera de las doce Joyas de la Ópera en mi Ventana Azul.

Se trata del drama jocoso de Wolfgang Amadeus Mozart que en cuatro actos cuenta un enredo amoroso de un sin fin de personajes basados en un libreto de Lorenzo da Ponte y en la pieza de Pierre Augustin Caron de Beaumarchais. Le mariage de Figaro fue compuesta entre 1785 y 1786 pero esperó hasta el 1 de mayo de 1786 cuando el mismo Mozart la dirigió en Viena.

Es difícil de explicar la trama de enredos amorosos que le dan vida a esta obra en la que Susanna y Fígaro planean su boda… pero ¡ahh! El conde quiere tomar la virtud de Susanna, siguiendo sus derechos de «conde». Por supuesto Fígaro decide ponerse en guardia contra el conde que está casado con la condesa Rosinna.

Rosinna, molesta, se pone de acuerdo con Susanna y disfrazan al bufón Cherubino de mujer y lo hacen presentarse ante el conde que por supuesto cree que es Susanna, es entonces que se desarrollan una serie de confusiones entre Fígaro, el conde, Susanna, Rosinna y muchos personajes que le dan a la obra una majestuosa comicidad y un final feliz en el que el conde se disculpa y pide perdón a Rosinna por todas sus infidelidades.

¡Para quien piensa que la Ópera es sólo drama y tragedia! «Voi che sapete» dirigido por Pascal Roulin.

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Quedan nueve por venir
Peregrina.

Aquí la segunda de las doce Joyas de la Ópera que anuncié.

Giuseppe Verdi eligió el drama francés Le roi s’amuse (El rey se divierte) del escritor Víctor Hugo, que había estado censurada en París, por manifestar el libertinaje de un rey. Después de varias tratativas, Verdi accede a hacer varios cambios para evitar la censura de su obra, sin embargo el bufón Rigoletto es un personaje verdiano que logra evidenciar todos los sentimientos que Verdi necesitaba plasmar en el drama.

Se corre el rumor de que Rigoletto, el bufón jorobado de la corte del Ducado de Mantua, tiene una amante joven y hermosa a la que no deja salir de su casa. Como buen bufón, evidencía a cada uno de los cortesanos haciéndolos el centro de sus bromas lo que le hace merecedor de la maldición de Monterone cuya hija fue deshonrada por el duque, su amo. Una noche, guiados por el propio duque que gozaba robando las honras de las doncellas del lugar, planean el secuestro de Gilda y por supuesto Rigoletto participa amenizando el festín sin saber a quién van a secuestrar… ¡Gran sorpresa cuando descubre que es SU Gilda!

Pero el drama sólo comienza. Rigoletto planea el rescate de Gilda vistiéndola de hombre y jura matar al duque, entonces contrata a Sparafucile, que disparaba bien y cobraba mejor pero… En el último acto, Rigoletto recibe de manos del asesino un saco con el cuerpo del duque… se acerca al río para deshacerse del cuerpo… justo antes de lanzarlo siente unos lamentos… abre el saco y descubre a Gilda Su Gilda quien no era su amante sino ¡su hija!

Con tragedias así… ¡para qué necesitamos telenovelas modernas! Monique Renault dirigió esta animación de «La donna è mobile»

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Dos de doce…
Peregrina.

Esta es la primera de doce Joyas de la Ópera. Elegí las 12 arias que componen la película L’Opera Imaginaire, una producción para la televisión francesa coordinada por Pascal Roulin en 1993. Es un viaje musical en el tiempo sin tiempo en el que varios artistas europeos participaron con distintas técnicas, desde la plastilina hasta las imágenes de síntesis en 3D.
Prometo que al final de las 12 entradas encontrarán un regalo especial…

Imagina caminar por un sendero medieval, en las últimas décadas del 1400, en una noche oscura, sin luna. Tus pasos se cruzan con el eco de una figura que te sale al encuentro. Un extraño hombre de caminar misterioso, con olor a azufre te mira a los ojos mientras sus dos perros, como demonios, custodian la figura de Georgius Faustus. La Europa medieval con sus historias mágicas…

Cuenta la leyenda que Georgius Faustus realizaba sus experimentos de alquimia en la ciudad de Knittlingen,  Alemania.   Ciertamente un personaje así despertó la imaginación de escritores y compositores que contaron su historia de manera tan extraordinaria que siguen encantando al mundo hasta nuestros días. Este es el caso “Faustus” la opera en cinco actos que Charles Gounod compuso con un libreto adaptado de la obra teatral de Marguerite de Michel Carré, inspirándose en el Faust de Goethe.

En Faustus, Gounod nos presenta la tragedia de un anciano, erudito rico que se encuentra al final de su vida sólo y sin ilusiones. Tras dos intentos de suicidio, conoce a la hermosa doncella Margueritte, pero ella lo desprecia; es entonces que Méphistophélès astutamente ofrece a Faustus la oportunidad de ser joven, rico y hermoso para poder seducir a la bella Margueritte. Lo único que pide a cambio es … su alma.

Esta es el aria Le Veau d’Or dirigida por Hilary Audus

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Una de doce… nos encontramos en la próxima
Peregrina.

Feliz Pascua,
Peregrina.

¿Por qué hoy?  Porque aunque han pasado 205 años de su nacimiento, sus historias siguen siendo contadas por todo el mundo.   Sus cuentos de hadas como El patito feo, El traje nuevo del emperador, La reina de las nieves, Las zapatillas rojas, El soldadito de plomo, La sirenita, El ave Fénix, La sombra, La princesa y el guisante, La vendedora de fósforos, La piedra filosofal, La tetera, La niña que pisoteó el pan, entre muchos, muchos más siguen y seguirán siendo clásicos de la literatura infantil y juvenil.

En este link podrán encontrar versiones electrónicas completas.

Historias para ser contadas,
Peregrina.

La divina proporción, también conocida como la proporción áurea o número de oro se estudió desde la antigüedad; su existencia se remonta alrededor del año 3200 a.C. Durante el renacimiento, la proporción áurea se empleó tanto en las artes plásticas como en la arquitectura. El gran Leonardo hizo las ilustraciones para una disertación publicada por Luca Pacioli en 1509 titulada De Divina Proportione. Este libro contiene los dibujos hechos por Da Vinci de los cinco sólidos platónicos. Es probable que fuera el propio Leonardo quien diera por primera vez el nombre de «sectio aurea».

En «El Cristo de San Juan de la Cruz» pintado por Salvador Dalí en 1951 se observa la perspectiva basada en esa antigua ley renacentista. Esta situación unida a la falta de elementos dramáticos que aparecen en la mayoría de las imágenes de la Crucifixión, como la sangre o las heridas, ponen de manifiesto una serenidad de la Ascensión: Cristo proyecta su presencia sobre toda la tierra, partiendo de un paisaje de Port-Lligat, lugar en el que Salvador Dalí compartía su vida con Gala.

Esta particular percepción fue idea original de San Juan de la Cruz. Salvador Dalí estuvo en contacto con la imagen conservada en el Monasterio de la Encarnación de Ávila y de ahí surgió la idea de esta genial obra que pertenece a la época mística-clásica del «divino» Dalí que comenzó en los años 40.

Según la apreciación de Pablo Picasso, «…Dalí es el último pintor renacentista que le queda al mundo».

Comparto la opinión del maestro Picasso,
Peregrina.

En la ciudad de Padova, al norte de Italia existe una pequeña capilla, en la que se resguarda la obra maestra de la pintura del «Trecento Italiano». La obra que ahí se expone está considerada como el ciclo más completo de afrescos realizados por el maestro toscano Giotto. La luz, el color, la poesía, la íntima emoción presente en su obra se transmite a quien la contempla.

El hombre y Dios. El sentido de la naturaleza y de la historia, el sentido de la humanidad y de fe se mezclan para narrar de manera única e irrepetible la historia de la Virgen y Cristo.

Los afrescos de la capilla fueron terminados por Giotto al inicio del 1306. El ciclo pictórico de la Capilla se desarrolla en tres temas principales: episodios de la vida de Joaquín y Ana, episodios de la vida de María y episodios de la vida y muerte de Jesús. Bajo los afrescos, una serie de recuadros ilustran alegorías de los vicios y las virtudes.

Una joya medieval para contemplar, entre leyendas de pastores del siglo XIV, cuando el Maestro Cimabue descubrió al joven Giotto diseñando con un pedazo de carbón las imágenes de sus ovejas en las piedras del campo mientras las pastoreaba. Desde entonces lo llevó a su taller como aprendiz y ayudante. El aprendiz que en una ocasión dibujó una mosca sobre la nariz de un personaje pintado por Cimabue quien, ante la perfección de la mosca, intentaba espantarla con movimientos de la mano.

Leyendas que sobreviven de boca en boca desde el medievo,
Peregrina.

Mateo Bandello, era novicio del convento de Santa María delle Grazie. Durante los diez años que le tomaron al Maestro realizar «Il Cenacolo», observaba desde un ángulo del ofertorio y escribía algunos detalles que llamaban su atención mientras lo veía trabajar: «Llegaba bastante temprano, se subía al andamio y se ponía a trabajar. A veces permanecía sin soltar el pincel desde el alba hasta la caída de la tarde, pintando sin cesar y olvidándose de comer y beber. Otras veces no tocaba el pincel durante dos, tres o cuatro días, pero se pasaba varias horas delante de la obra, con los brazos cruzados, examinando y sopesando en silencio las figuras.

También recuerdo que en cierta ocasión, a mediodía, cuando el sol estaba en su cenit, abandonó con premura la Corte Vecchia, donde estaba trabajando en su soberbio caballo de barro, y, sin cuidarse de buscar la sombra, vino directamente a Santa Maria delle Grazie, se encaramó al andamio, cogió el pincel, dio una o dos pinceladas y se fue».

Leonardo Da Vinci, no trabajó sobre un afresco sino que pintó con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro del mural; lo que ha provocado que sufriera varias restauraciones tras diversos acontecimientos, entre ellos, varias inundaciones de la ciudad de Milano, la incorporación de una puerta en la sala (1652) justo debajo de la mesa del mural, por lo que se tuvieron que eliminar los pies de varios personajes, después se dió la invasión del ejército francés en 1797 durante la cual se utilizó la sala ¡como establo! Por último, los bombardeos de los aliados en 1943. En 1977 se efectuó una restauración minuciosa, sin embargo se considera que gran parte de la superficie original se ha perdido.

En La Ultima Cena, es posible admirar personajes reales, diseñados a partir de rostros de modelos reales, entre ellos el mismo Leonardo. Emociones humanas magistralmente plasmadas más allá del plano físico: incertidumbre, estupor, ira, miedo… fe. Será por esto que es considerada la mejor joya pictórica del mundo.

La Última Cena, el momento de la institución de la Eucaristía visto a través de los ojos y el alma de un genio en 1495.

Peregrina.